A Sunny Day In Glasgow - Sea When Absent 

Zu oft wird unter dem Mantel von Dreampop und Shoegaze das Ungreifbare in greifbare Songs gepackt, doch A Sunny Day In Glasgows Musik bleibt unfassbar. Als würde sie sich einer messbaren Realität verweigern, verschwimmen ihre Konturen, überlappen einzelne Segmente und driften andere derart auseinander, dass es an randomisierter Chaotik grenzt. Das große Wunder ist dabei immer wieder, wie diese ungewöhnlichen Kompositionen sich dann doch ihrer eigenen Logik folgend im Ohr verankern und mit jedem Hören nur noch mehr davon überzeugen, dass es gar keine Realität gibt, sondern nur unsere Wahrnehmung davon.

 

Cymbals Eat Guitars - LOSE 

Wo ich nun schon so einige Jahre verstärkt damit verbringe, für mich und mitunter auch andere nach hörenswerter Musik Ausschau zu halten, ist es eigentlich naheliegend, dass sich dabei Wissen und Geschmäcker erweitern beziehungsweise verschieben. Ich höre bei Weitem nicht mehr so viel Indie-Rock wie vor 10 Jahren oder auch das, was Bands heute machen, die vor 10 Jahren in diesem Umfeld situiert gewesen wären. Doch auch weil heute viel selbstverständlicher bei der Bandgründung ein Synthesizer als eine zweite Gitarre mit dabei ist oder R'n'B-Einflüsse keine Seltenheit sind, gibt es schon rein mathematisch nicht mehr so viele rundum große Alben im traditionelleren Indie-Rock. Die gute Nachricht dabei ist aber, dass er als Transportvehikel für gewisse Songs immer noch bestens taugt - man muss nur eben darauf kommen und sich nicht zu viel von diesem und jenem Trend irritieren lassen, was stilistische Offenheit nicht ausschließt. Bestes Beispiel dafür sind Cymbals Eat Guitars, die ihren klassischen Topos der Todestraumata in bissigen, ausfallend punkigen, aber auch synthig umtexturierten Songs ausformulieren. Der gelegentlich überraschende Wechsel deckt sich auch stilistisch mit der biographisch sprunghaften Narrative, ein wenig wie bei The Hotelier, nur deutlich weiter weg vom typischen Emo - Hauptsache dabei, dass die Songs melodisch ans Mark gehen.

 

FKA twigs - LP1 

Tahliah Barnett macht tolle Gimmick-LPs: EP2 kam mit einer Pappverlängerung des Plattencovermotivs, LP1 liegt eine Lupe in Breite ihrer Augenpartie bei. Als twigs, nunmehr FKA twigs und vielleicht in Zukunft noch TBA hat sie die Andeutungen ihrer ersten größeren Veröffentlichungen zum Teil musikalisch beseitigt. Noch steht Two Weeks als "großer Song" demarkiertes Stück aber alleine, sowohl auf ihrem Debütalbum als auch bei zumindest ihrem Kölner Konzert, wo es beim Publikum zum großen Euphoriemoment wurde. Doch FKA twigs ist ein Projekt mit Gesamtkonzept, vom (visuellen) Design der Platten über die Videos bis zur Liveinszenierung über flankierende E-Trommel-Männer und Choreographie, die eben die ereignisarmen Leerräume und Andeutungen in der Musik weniger füllt als ihnen eine neue Deutungsmöglicheit verleiht. Oft wurden gerade die Momente bejubelt, wenn die Stimme verstummte und der Körper die einzige Ausdrucksoption wurde.

 

Gorgon City - Sirens 

Von allen Alben und anderen Werken in dieser Aufzählung, die ich mir 2014 gekauft oder anderswie permanent verfügbar gemacht habe (kein Stream ist permanent, duh doi), ist dieses hier das einzige davon, das ich seit den ersten Tagen nicht nochmal gehört habe. Eine klassische Fehlanschaffung? Nun, schlecht ist es nicht und ruft sicher nicht die Stunkreaktion des weißen Tocotronic-Albums hervor, wegen dem ich damals den Entschluss fasste, nie wieder ungehört zu kaufen. Zumindest ein paar Ausnahmefälle erspielten sich zwar das blinde Vertrauen, doch Gorgon City gehörten sicher nicht dazu. Wie kam's also? Reingehört hatte ich sogar, zwei- oder dreimal, war nicht hin und weg, hatte aber aufgrund der Tiefenwirkung ihrer EP ein gutes Gefühl - und dann sah ich die CD da für 13€ rumstehen. Dass das Geld zum Fenster rausgeworfen ist, fuchst mich irgendwie weniger als jetzt neben all diesen anderen Musikwerken, mit denen ich irgendwas verbinde - sei es persönlich oder einfach eine Erinnerung, Eindrücke und Erlebnisse -, dieses unbeschriebene Blatt steht, ein weißer Fleck im Musikmosaik 2014. Wer weiß, vielleicht juckt es mich diesen Sommer nochmal nach House-Pop und mangels Alternative ...

 

Jenny Hval & Susanna - Meshes Of Voice 

Wo immer man den Entweder/Oder-Hebel ansetzt, stößt einen das Werk der Norwegerinnen vor den Kopf – oder pflügt einmal mit dem Presslufthammer mittendurch. Schon alleine das Ausdifferenzieren der höchst unterschiedlichen Stimmen, die titelgebend zum Gerüst und lyrischen Ausdruck der Stücke verwoben sind, wird dadurch verkompliziert, dass in ihre kehligen und nasalen Timbres auch die Vocals von Anita Kaasbøll einstimmen. Auch Jo Berger Myhres Bass wird zur Stimme, auch die Stimmen werden zu dronigen Bässen, Identitäten und Perspektiven werden gebogen und transformiert. Die surreal-impressionistische Klangerzählung über Göttlichkeit und Femininität ist song- und momentweise konkret und abstrakt, schön und schaurig, sanft und brutal, harmonisch und dissonant, Melodie und Lärm. Mit jedem Hören wirkt das weniger wie ein chaotisches Kräfteringen und mehr wie die stimmig facettierte Ganzheit, die drei Stimmen und die Noisestreuungen Hvals und Kaasbølls konvergieren immer wieder, fast schon universell und auch zutiefst persönlich. Kein Wunder, dass eine Liveaufnahme von 2009 auch fünf Jahre später noch so immense Wirkung besitzt.

 

Kimbra - The Golden Echo 

Das heimliche Brainfeeder-Album des Jahres! Gut, ein Thundercat mag seine Bassdienste vielen anbieten und taucht auch in deutlich überraschendereren Albumcredits auf, aber die Überschneidungen zwischen dem Personal von Kimbras R'n'B-Popalbum und dem letztjährigen von Flying Lotus sind schon enorm - schließlich gehört jener selbst zu den Kollaborateuren, deren Stücke es nicht auf The Golden Echo schafften, dafür ist R'n'B-Auteur Bilal als noch besserer Anknüpfungspunkt zugegen. [MEHR]

 

Literature - Chorus 

Zum nunmehr 25. Jubiläum darf man wohl annehmen, dass das Jahr, in dem Slumberland Records nicht mindestens ein herausragendes Indiepop-Album herausbringt, die Apokalypse demarkiert. Neben den wiederholungstätigen Gold-Bears bescherte uns die transatlantische Kooperation mit Fortuna Pop! so auch noch das zweite Album von Literature aus Philadelphia, die darauf wie Orange Juice mit ordentlich Vodka abgehen. Das bedeutet sicherlich süßen Jangle, grenzseufzige Vocals, Rhythmen ohne Komplikation (wenn auch eben ordentlich Drive) und melodische Opulenz bis in die (Quer?)Flöte, doch wie als Bonus erweist sich Chorus bei Kopfhörerinspektion auch als faszinierendes Sounddesign-Erlebnis, das die Band mit ungewöhnlichen Aufnahmetechniken erreichte. Nicht unbedingt etwas, worum man einen Feuilleton-Artikel spinnen kann, aber auch mehr als nur ein langfristig faszinirender Bonus wenn man eh schon mit den Songs sympathisiert.

 

Mick Jenkins - The Water[s] 

Ein waschechtes Rapalbum hab ich dieses Jahr wohl nicht durchweg so gern gehört wie die Mixtapes von Gates und Mick Jenkins, doch abgesehen davon, dass sie auch parallel als kommerzielle Downloads erschienen, ist gerade The Water[s] mehr von Albumformat als viele als solche erschienene. Da ist das Wasser textliches Motiv, gepaart mit einem kohärenten Schwummersound inklusive gelegentlicher H²O-Samples, vereint in einer überwiegend sanft dahingleitenden Vibe, die jedoch auch Gelegenheit zu kantigeren Ausbrüchen bietet, die sich bis auf das Ende in einem durchweg stimmigen Rahmen halten.

 

Naomi Punk - Television Man 

Ein großer Unterschied besteht zwischen Naomi Punks 2012er Debütalbum und Television Man nicht. Nahezu den gleichen Sound, ja sogar die gleiche Akkordfolge wie mindestens ein Song auf dem Vorgängerwerk hat das Titelstück, ist wie die anderen neuen nur ein wenig schneller, ein wenig schärfer im Ausdruck mit stärker ausgeprägten Dynamikschwüngen und strengeren Anschlägen. Die Verfeinerungen, die das Trio aus seinem minimalistischen Repetitions-Punk-Korsett herauskitzelt werden am schönsten deutlich, wenn sich die Gesangsmelodien aus der Grautonwand nölender Saiten und staksiger Perkussionsbündel pellen. Nahtlos geht ihre Harmonie vom Ende des Titelstücks in eines der knarzigen Keyboard-Zwischenspiele über, die auf dem Debüt noch ein wenig als obligatorisches Experiment anödeten – hier aber ist Plastic World No. 6 wie das Herz des Albums, das wortlos überm Dümpelbeat einer billigen Drum Machine im Tageslicht steht, bevor Naomi Punk wieder die Klöppelkeule rausholen und der fleckige Strudel von Eleven Inches alles umhüllt.

 

The New Pornographers - Brill Bruisers 

Der Grower des Jahres sorgte anfangs noch für eine Mischung aus Bedenken über die schon etwas unnötig überbeschäftigten Arrangements und Erleichterung darüber, dass zumindest die Bejar-Rocker hier mal wieder richtig zündeten. Über sie gelingt der Einstieg in das beste Pornographers-Album (wenn nicht gar überhaupt) seit Twin Cinema am leichtesten, ist Dan Bejar doch hier fast so wie auch live die Rampensau, die für ihre eigenen Songs mal rauskommt und anschließend direkt wieder von der Bühne verschwindet. Die wirklich merkwürdige Bandchemie der kanadischen Powerpop-Hydra schien Chefkopf A.C. Newman zuletzt durch verstärkte Soundkohärenz bändigen zu wollen, doch neben der herrlich hohen Hook-und-Hit-Dichte zeigt sich auf Dauer gerade ein wiedererstärkter Elan mit Tendenz zum Überschwappen als besonders vital.

 

Driver Friendly - Unimagined Bridges 

In Sachen Trompeten-Emo hatten Driver Friendly 2014 harte Konkurrenz: sich selbst. Ihr Debütalbum Bury A Dream erschien zumindest digital ebenso wie dessen Nachfolger, nachdem ihr Label es wie hier beschrieben vor zwei Jahren aus allen Stream- und Downloadangeboten entfernt hatte. Doch den Vergleich muss Unimagined Bridges nicht scheuen, auch aus den komplexer gewobenen Klangsträngen bohren sich goldige Melodien wie einst aus Broken Social Scenes Kuddelmuddel-Sound.

 

f(x) - Red Light 

Ein schlechteres Jahr für die koreanische Musikindustrie auf so ziemlich allen Ebenen ist kaum denkbar: Ganz zu schweigen von der landesweit traumatischen Schiffskatastrophe, dem Autounfall von Ladies Code und dem tödlichen Bühnenunglück beim 4Minute-Konzert, die wochenlang alles paralysierten, kam es über einen haarsträubenden Skandal und Vertragsstreit nach dem anderen zum Ende oder zumindest Umbruch mehrerer der größten Gruppen wie SNSD, Wonder Girls, KARA und natürlich der mal wieder unter ihre optimale Mitgliederzahl geschrumpften Nine Muses.

Auch die Zukunft von f(x) ist ungewiss, doch bevor ihre Promotion dafür frühzeitig abbrach, brachte das Quintett mit seinem dritten Album mal wieder ein Pop-Glanzstück heraus. Genauso wie sich f(x)s Auftreten der sonst in Girlgroup-Zirkeln verbreiteten binären Rollenwahl zwischen entweder kindlich-unschuldig und erwachsen-sexy verweigert, treten auch ihre Songs aus Konventionen aus: Vom futuristischen Stampfen des Titelstücks über die 8bit-Invertierungen des zuckenden Spit it Out bis zu Rainbows nahtlosen Dynamikschwüngen über diesen K-i-l-l-e-r-Hook, auch ohne die charakteristischen Stimmen und ihre ineinander fließende Chemie würde man sie von keiner anderen Band erwarten.

 

Human Abfall - Tanztee Von Unten 

„Völlig! Abgebrannt!“, quillt es aus Vokalist Flavio Bacon in „Schuldenschnitt 1997” heraus, das noch mit am ehesten von allen Stücken einem songhaften Refrainmuster folgt. Zwar wiederholen Human Abfall melodische Arrangements, rhythmische und textliche Muster, doch die instrumentale Ausführung ihres noisigen Rock/Punk/Post-Punks kann dabei von Mal zu Mal variieren. Der Grundton ist identisch an den Stellen im Titelstück, wo sich die Gitarre in ähnlich hellem Scharren erhebt, doch weder spielt sie jeweils die gleiche Tonfolge noch ein kühnes Solo im Scheinwerferlicht. Diese Songs sind nicht zum Mitsingen und Klatschen entworfen, ihr zerrfreudiges Wallen und Kratzen fordert Aufmerksamkeit, kein seeliges Abschalten. [MEHR]

 

Joyce Manor - Never Hungover Again 

Joyce Manor sind nicht die einzigen, die ihren angerauten Pop-Punk/Post-Hardcore aufs Nötigste reduziert halten, die mehrfache Strphen- und Refrainwiederholung scheuen sie ebenso erfolgreich wie ein Tony Molina. Warum auch aus einem Schley ein großes Ding machen, wenn man ein gelungenes Hauptmotiv über zwei Minuten nur mal ein Bisschen variieren oder intensivieren muss, um mitzureißen? Besonders gut gelingt es ihnen aber, Never Hungover Again insgesamt in einem ebenso mitreißenden Fluss durchrauschen zu lassen, anstatt die Songs als diskrete Miniaturen ohne Zusammenhang zu versammeln.

 

The Raveonettes - Pe'ahi 

Ein Lehrstück für den Unterschied zwischen Verzerrung als kunstvoll inszenierter Ästhetik und als Nebenerscheinung einer notgedrungenen - oder einfach faulen - Lo-Fi-Soundqualitätsbeschränkung. Dass Pe'ahi zu Ersterem zählt, merkt man einfach daran, dass es umso schöner und distinktiver wird, je lauter man es dreht und in tatsächlicher Lo-Fi-Qualität von bspw. 128 kbps-MP3s deutlich weniger effektiv ist. Produzent Justin Meldal-Johnson kennt sich mit der richtigen Art von Verzerrung und voluminös klangbildender Lautstärke aus, die er zuletzt vor allem bei M83 und Paramore phänomenal zum Einsatz brachte. Hier jetzt nur über Sound und Produktion zu schwafeln, mag wie merkwürdige Prioritätensetzung anmuten, doch ist Pe'ahi nun mal ein Raveonettes-Album, und das ist nun mal ein Raveonettes-Album, das nun mal ein Raveonettes-Album ist und so weiter. Das Duo hat von seinen Anfängen in Noir-Lackierung an immer das Stilisierte über etwaige Garage-Authentizität gesetzt, und so wird dieses Album eben deswegen so großartig, weil in dessen mannigfaltig in Zerrung und Glättung ausgereiztem Sound endlich das Potential ihrer Songs konsequent zur Fülle getrieben wird. Wenn es schön wird, dann wird es verdammt schön; wenn es laut wird, dann wird es LAUT.

 

Total Control - Typical System 

In vieler Hinsicht ist Typical System ein typisches Melbourner Musikhighlight: Die Protagonisten sind alle aus mindestens einem halben Dutzend anderer Bands bekannt, Mikey Young ist nicht nur als Produzent, Ton- oder Mastering-Ingenieur, sondern auch musikalisch dabei und der Stil an sich retro-trächtig. Das Jangle-Garage-Spektrum lassen Toal Control in new-wavigem Post-Punk aber ebenso weit hinter sich wie gemütliche Nostalgie, Typical System ist angepisst bis hilflos über das Jetzt und klingt auch so, in einer Hin- und Hergerissenheit, die so modern wie fesselnd ist.

 

United Nations - The Next Four Years 

Dass die politischen Inhalte so weit wie möglich im Vordergrund des wuchtigen Hardcore-Konglomerats stehen sollen, wird neben Bandname und Artwork ja auch darin klar, dass das Identifizieren der anderen Mitglieder neben Geoff Rickly schon mehrere Sekunden an Googlerei oder einen Blick ins Booklet erfordert. Doch nicht nur gesanglich, auch in Songs wie Meanwhile On Main Street ist das Heraushören der Band-DNA keine Wahnvorstellung, das wie eine Thursday-Nummer mit auf die Converge-Spitze getriebenen Chaos-Peaks daherkommt. So zündend, wie man sich das nur vorstellen kann, ist dieses Album eben auch - und darüber hinaus sogar hervorragend als Begleitung zum Rasenmähen geeignet.

 

Black Bananas - Electric Brickwall 

Wenn schon psychedelisch, dann auch rischtisch: Electric Brickwall ist nicht mit einer betaglichen Vintage-Nostalgiescheibe verwechselbar, denn wenn Jennifer Herrema sich aus dem Fenster lehnt, dann springt sie auch gleich noch kopfan hindurch. Wo andere Grasenthusiasten mich mit sporadischen Auswüchsen von knödeligem Funk und, Schockschwerenot, so etwas wie Sprechgesang nur anöden können, zieht Herrema sowas in einem derart gesamtschrägen Rahmen auf, dass es statt ausgestellter Exzentrizität glatt wieder als Normalität durchgeht. Dass dahinter noch mehr steckt, hört man am deutlichsten auf Eve's Child - da singt sie inmitten von Fuzz und wüst sprudelndem Neonblubbern "My best pal is a goner/ She can't come back if she wanna".

 

Gold-Bears - Dalliance 

Das zweite Album von Jeremy Underwoods schrammelnder Indiepop-Band macht ohne Bremspedal exakt so weiter, wie ihr Debüt aufhörte: mit gefärbtem Schwarzweiß-Artwork und einem Song namens Yeah, Tonight. Gleichwohl verbirgt sich unter identischem Titel ein anderer Inhalt, doch die Güteklasse von Gold-Bears’ bravourösem Popgepolter ist wie auch im Folgenden erstaunlicherweise hoch geblieben. Ihr Gitarrenrauschen ist in einem etwas weniger abgedämpften Lo-Fi-Klang sogar noch lebhafter geworden, mit Bläsern, grellem Orgeln und Schellen reichhaltiger akzentuiert und in grenzchaotischen Momenten wie dem polternden Zerfall von Death With Drums so kontrolliert wie der pausenlose Übergang der tighten Meist-unter-drei-Minüter von einem stürmischen in einen sanften. [MEHR]

 


Kitten - Kitten 

Dass Produktion im Pop genauso vom Wesen des Songs untrennbar sein kann wie bei konventionell experimenteller Musik, ließe sich gut an den Debüts von Sky Ferreira und Kitten demonstrieren. Beide bringen extrem rauschig-verzerrte Klangästhetiken an 80er-Wavepop, doch beide Alben könnten in dem konkreten Sound des anderen nie so gut funtionieren: Während Ferreiras oft nur rudimentärem Songwriting und brodelndem Arrangement der rohe, ungemasterte Sound atmosphärisch-intim bestens steht, ist alles auf Kitten von hellst leuchtender Glampolitur überzogen, weswegen damit einhergehend die Verzerrung noch kaputter und zerfaserter ist. Chloe Chaidez hat Songs wie G#, deren fein gesponnene Harmonien all dem Treiben um sie herum standhalten, und die ihres Bombasts würdig sind, wie wenn sich Cathedral taktelang über lauter wuchtendes Trommeln steigert und im Saxophonschrei gipfelt.

 


Low Life - Dogging 

Das dritte Album in der Runde, die R.I.P Society im Juni auf einen Schlag losließ, ist zugleich das beste und am schwersten beschreibbare. Irgendwie PiL-postpunkig ziehen Low Life in Dream abstrus verschichtetes Gitarrenwetzen über kaum auszumachend dumpfem Beat auf, drücken in Speed Ball dann aber fluchend und vollbrünstig aufs Verzerrerpedal. Statt Machismo klingt im hübsch verquollenen M.E aber eine gewisse Wehmut durch, wie auch wenn Friends anklagt: "All my friends, they’re fucking scum. Jaded and bitter and faded and twisted". Dogging stinkt, von seinen dreckigen Tapeten bröckeln Schimmel und Schmutz und wahrscheinlich weiss es selbst nicht so recht, was es mit sich anfangen soll. Gehört zu werden, das verdient es aber.

 

Mark Barrott - Sketches From An Island 

Seinen Höhepunkt wie auch sein Ende schien das von Anfang über ein Verwirr-, Versteck- und Pseudonymitätsspiel selbstmythisierte Label International Feel 2012 mit der gleichnamigen Compilation erreicht zu haben, nach der erst einmal nichts Weiteres in Sicht schien. Doch nach seiner öffentlichen Selbstenthüllung und dem Umzug von Uruguay nach Ibiza trieb Chef-Fühler Mark Barrott das Leichtigkeits-Revival nochmal mühelos im Alleingang auf die Spitze: Sketches From An Island ist eine grazile New-Age-Suite aus Balearic mit meditativer Zupfgitarre, weichem Disco-Boogie, Handperkussion in einem Meer aus Wellenrauschen und Vogelzwitschern und Synths, die zu bodenverhaftet im Tropenwald oder im Sonnenuntergang an der Küste schwelgen, um ins All abzuheben – Glückseligkeit währt hier am längsten.

 


M.O.B. - M.O.B. 

Den Sechssaiter lassen M.O.B. aus Sydney – der Vollständigkeit halber: Al Haddock von Raw Prawn und Yuta Matsamura von Oily Boys – zwar nicht beiseite, doch gibt er nur metallen krächzende Einwürfe in ihre Höllenvisionen. Hilflos muss man mitanhören, wie sich das eröffnende Dante (F.T.P) unter massiv nachhallendem Maschinendrum-Stampfen und bassig brodelnder Synthoszillation ausbreitet, dass man sich in die Rolle eines Lovecraft-Protagonisten versetzt sieht. Wie in panischer Flucht vor dem Unheil, das hinter ihm rumort, wirft City Circle grellhohe Töne nach vorne, fast schon verständlich sind hier die barschen Vocal-Einwürfe, die anderswo zum röhrenden Phantom verzerrt werden. Genau erfassen können muss man sie nicht, denn M.O.B. beschreiben das Grauen nicht, sie evozieren es in bemessen langsamem Tempo flüssig vorantreibend, so dass es wie in Endtimes keinen Unterschied macht, wenn keine Stimme zu Hören ist: Deren Launigkeit drückt bereits die Musik aus.

 


Phantogram - Voices 

"Mit seinem zweiten Werk ist dem Duo mindestens ein halbes erstklassiges Electropop-Album gelungen" schrieb ich da zunächst, aber kaum ein anderes Album hat sich seitdem so in meiner Gunst erhöht wie dieses. Immer wieder gab es da diese Fragmente, die sich schon nach einem Hören im Hirn festgesetzt hatten um dann nach Wochen des Schlummerns wieder aufzutauchen, bis ich dann irgendwann feststellte, dass immer wieder ein anderes davon zu diesem Album zurückführte. Der Kauf war so allein schon deswegen imperativ, damit ich im Zweifelsfall immer erstmal zu Voices greifen konnte, wenn sich wieder etwas auftat, doch mittlerweile bin ich auch mit dem Album als Ganzem so angetan, dass ich mich lieber ganz durchfresse als einzelne Krumen rauszupicken.

 

Rat Columns - Leaf 

Das zweite Rat-Columns-Album steht fast schon unpassend im stets etwas angerauten Labelkatalog von R.I.P. Society da: Unter erhellendem Synth-Schein haben die Songs den rhythmischen Drive, das fetzig-verzahnte Janglegitarren-Doppel und vor allem die höchst eingängigen Melodien, um auch als recht amerikanisches Produkt durchzugehen – bis dann diese blassen Vocals kraftlos einsetzen. Auch ohne wattigen Hallsound wird ein Aufbäumen wie in Pink Mist so wattig weich, als als hätte wer aus die Luft rausgelassen, wenn die Songs ihren Gesang mitschleppen müssen, der mit seinem Noncharisma glatt wieder charismatisch wird – und traumhaft zarte Instrumentalpassagen wie in Sixteen damit bestens komplementiert.

 

White Hex - Gold Nights 

Das Goth-Präfix könnten White Hex für den Synthpop ihres zweiten Albums fast schon ablegen. Wirkte ihr 2012er Debüt noch, als hätte Jimi Kritzler die Musik seiner Hauptband Slug Guts reduziert und den letzten Pfiff vergessen, findet das Melbourner Duo mit „Gold Nights“ zu imposantem Eigencharakter. Keine Spur von Schmutz, Splittern und Körnern, „Paradise“ zieht elegant auf wie eine hell erleuchtete, kühle Kristallbaute, die als Tragnetz für Tara Greens Vocals jeden Synthton schillernd amplifiziert. Ihre Stimme verhält sich jedoch emotional derart kontrolliert, dass der Optimismus ihrer Worte über einen Neuanfang deutlich, aber nicht überzogen euphorisch ist. [MEHR]

 

White Lung - Deep Fantasy 

Mit Album Nr. 3 sind White Lung zwar auf eines der größten Indie-Labels Europas aufgestiegen (wenn nicht gar das größte), doch abgesehen vom etwas massivereren Sound ist eigentlich alles auf Deep Fantasy beim Alten geblieben. Heißt: White Lung praktizieren Punk immer noch als wuchtige Dampfwalze, die zu überrollen sucht was sich ihr in den Weg stellt, aber dabei einiges an Abdrücken hinterlässt. Mish Way wütet und grollt so klar verständlich wie das durchaus gleichermaßen markante Gitarrensirren Kenneth Williams, was ihnen diesseits der 3-Minuten-Marke reichlich Gelegenheiten gibt, sich im Gedächtnis einzuritzen.

 

Wussy - Attica! 

Kaum zu glauben, aber nach mehr als zehn Bandjahren ist Wussys fünftes reguläres Album das erste, das seinen Weg endlich auch mal nach Europa gefunden hat. Der Zeitpunkt könnte kaum besser sein: Auf Attica! führt das Quintett aus Cincinnati seine bildstarken Erzählungen mit facettenreichem Spiel zu Songs zwischen Sommertraum und totaler Desillusion zusammen. Schon der erste und letzte Song des Albums sind zwei der schönsten Zurückblicker des Jahres und könnten dabei kaum unterschiedlichere Gefühle transportieren. Während Teenage Wasteland das erste jugendliche Von-Rockmusik-mitgerissen-Werden euphorisch zelebriert, ist Beautiful selbst nicht minder mitreißend, doch statt eines "When the kick of the drum lined up with the beat of your heart" wiederholen Lisa Walker und Chuck Cleaver im Finale inmitten abgebrannter Ruinen "20 years ago I was more beautiful than I am today". [MEHR]

 

Young Marco - Biology 

Biology ist das Ergebnis einer Detailarbeit, im Großen wie im Kleinen. Der Amsterdamer Produzent Marco Sterk stellt seinem Debütalbum die luxuriöse Schönheit einer schimmernden Klangpalette in wohlbemessener Intensität voran: Glocken und gamelanartig anmutende Perkussionsmelodien umranken kosmische Analogsynth-Bepinselung über feinfühligem Houseantrieb, wobei Biology Theme nicht mal einen Beat braucht, um auf den unfassbar weiten Ozean loszusegeln. [MEHR]

 

Ben Frost - A U R O R A 

Die leisesten Momente kann es durchaus auf einem der lautesten Alben des Jahres geben - wenn es denn so einen luxuriös großen Dynamikumfang besitzt wie dieses. Ich muss bei A U R O R A die Anlage schon ordentlich hochdrehen, bevor überhaupt die weniger auffälligen Sounds des Albums voll gerundet wahrnehmbar werden, doch Frost ist ein Meister des Sounddesigns und so werden bei entsprechender Lautstärke auch die massiven gewaltigen Lärmeruptionen nicht unerträglich. Da gibt's dann erst die volle Wirkung des Wummerbass-Herzschlags, klappernder Stockperkussionen, Sirren und Glockenläuten, Blast-Beats und einer Neonmelodie inmitten der verfiepten Kakophonie. Nicht dass das eine Überhand nimmt macht die titanische Dimension dieses Albums aus, sondern dass Laut und Leise einander in Wechselwirkung zu mehr Tiefe verhelfen.

 

Especia - Gusto 

Den Zickzack der kulturellen Aneignung von Especias Vaporwave-Pop muss man zum Glück gar nicht erst zu durchblicken versuchen, um reichlich Gefallen an Gusto zu finden: Deutlich über Karaoke-Niveau, doch mehr auf Lebhaftigkeit denn Perfektion ausgelegt sind die Vocals der umso glatter-geschmeidigeren Disco/Funk/Jazz/Soul-Hybride, die ohne Scheu vor professionell furiosen Saxophon-Soli und kantigen Synth-Extremitäten übersommerlich dahingrooven. Hauptsache, dass dabei auch die Melodien abwechselnd cool und uncool sind. [MEHR]

 

Fatima - Yellow Memories 

Wie so manches ist mir bei der Musikauffassung hierzulande das Verständnis von R&B fremd, das alles daran zu setzen scheint, nur die milchbrotigsten Auswüchse als hörenswert zu präsentieren. Tanzbar darf es nicht sein, zu stimmkräftig und poppig irgendwie auch nicht und wenn's dann mal besonders subtil und fein wird, ordnet man's lieber und Soul oder noch woanders ab. So tourten Fatima oder Bilal hierzulande vor allem durch Jazzclubs und -festivals, womit sie nicht so selbstverständlich als Teil des großen bunten R&B-Spektrums wahrgenommen werden wie in den USA. Dabei besitzt schon allein das Debüt Yellow Memories der Schwedin eine bemerkenswerte Klangspannweite, die vom satt orchestral instrumentierten Eröffnungsstück bis in Kollaborationen mit Londoner Untergrund-Beatschauflern geht und dabei immer im mannigfaltigen Groove bleibt. [MEHR]

 

Full Ugly - Spent The Afternoon 

Full Ugly lassen sich mehr Zeit als die meisten anderen. Ihr Debüt nahm die Band um Nathan Burgess bereits 2011 auf, seitdem zog Gitarrist Michael Caterer nach Brooklyn, veröffentlichte dort als Mitglied von Scott & Charlene’s Wedding ein Album und debütierte auch mit seinem eigenen Bandprojekt Shorts, noch bevor Spent The Afternoon das Licht der Welt erblickte. Es passt aber auch zu einem Album, das sich in Songs wie Mt Barker, Hanging Around oder No Plans mit emotionalem Bleigewicht am Bein dahinschleppt. Clevererweise haben sich die Melbourner die flotteren – wobei “flott” wirklich ein relativer Begriff ist – Songs für die zweite Hälfte des Albums aufgehoben, so dass ihm selbst bei den gemütlichsten Hooks nie ganz die Puste ausgeht. Ein Hoch auf das Flanieren!

 

Hundred Waters - The Moon Rang Like A Bell 

Wenig ist doofer als wenn sich Jahrzehnte nach Kraftwerk immer noch einer Rhetorik von wegen "zeitgemäß dank Elektronik" um Bands bemüht wird, die dann nichts Neues oder vor allem Eigenes machen. Hundred Waters sind eine nach dem Kriterium wohl irgendwie moderne Band, die aber auf ihrem zweiten Album auch etwas aus ihren Möglichkeiten macht: Völlig eigen wirkt mitunter schon die Soundkonstellation, die sie erzeugen, aber nicht um der Neuheit willen sondern um ihre spezielle Form von Leichtigkeit zu vermitteln. Über Distanzen, Echo, Texturen, Formen und Farben evozieren sie diese weichen und doch fundierten Stimmungen, voller perlender Melodien und rhythmischer Komplexitäten und zielbewusster Dynamiken können ihre Songs gänzlich sublim bleiben oder ganz unerwartet himmelhochjauchzende Prächtigkeit offenbaren. In der Regel aber ist ihr Traumpop einer (und darum auch schwerer zu greifender), der sich mehr über Zustände als über Songmomente oder Entwicklungen mitteilt.

 

Sharon Van Etten - Are We There 

Schockschwerenot, ich habe mir ein Folk(iges)-Album gekauft? Nuja, auch wenn ich des öfteren über alte Bärte mit Gitarre witzele ist es nicht so, als hätte ich prinzipiell was gegen bestimmte Ausbildungen der songlichen Erzählung, nur gibt es halt extremst selten ein Album, das ich lieber hören würde als Musik anderer Machart. Are We There ist so in mindestens einer Hinsicht ein Ausnahmealbum. Unverblümt hängen die Worte an einer Stimme, die dafür die Tragkraft besitzt und auch dafür, um mit dem gleichermaßen emotionalen Gewicht der Melodien und Arrangements an einem Strang zu ziehen, bis beide in ihrer Wirkung untrennbar werden. Sicher können diese Songs auch in roher Akustikform weiter fein sein, aber Sharon Van Etten bringt alles so denkwürdig zusammen, dass ich dafür einfach keinen Bedarf habe.